PLÁSTICA EN EL NI Y SU DIDÁCTICA: TRABAJO PRÁCTICO 2 / BLOQUE 2 “PRODUCCIONES PLÁSTICO VISUALES”
TRABAJO
PRÁCTICO N° 2
(Consignas)
Parte
Teórica
- Luego de haber realizado un recorrido por diversas obras de
artistas plásticos e identificado los elementos básicos del Lenguaje Plástico Visual
representados en ellas, elige una obra plástica en donde el elemento
predominante sea alguno de los desarrollados en clase, adjuntando además, sus
datos identificatorios de Título, Autor, Año, Materiales, Soporte, Colección /
Museo.
- Realiza una breve biografía del autor para conocer acerca de
su línea de producción, indicando 3 hipervínculos en el texto, que re direccionen
a páginas web que aporten más información sobre el autor y su obra (imágenes,
videos, presentaciones en Power Point, Blogs, Textos, etc.). Este punto debes subirlo al Blog en un Comentario.
- Posteriormente realiza un comentario de la obra elegida, a
modo de análisis, en donde se explique la configuración de la imagen en relación
con los elementos básicos del lenguaje Plástico Visual.
Parte
Práctica
1. Realiza una producción artística
seleccionando un elemento básico plástico configurador de la imagen (Punto,
Línea, Plano, Forma (Plana o Volumétrica), Color, Textura, Trama, la técnica y
procedimientos será libre, el espacio puede ser plano o tridimensional.
Algunos
sitios web para visitar
· Norman Mc Laren - Dots
El Punto de Peter H. Reynolds (Spanish)
·
La línea
· Punto, Línea y Plano por Wasilly Kandisky.
· Sintaxis del lenguaje plástico – visual:
Punto, línea y plano.
· Los colores – El Círculo Cromático:
· Elementos del Lenguaje PlásticoVisual, su conocimiento y comprensión en la Imagen Visual:
Haz click en cada uno de estos links y podrás acceder a cada uno de los materiales educativos elaborados por la Lic. Silvia Llanos que fueron realizados por medio del programa de presentación con diapositivas de Power Point y explican los contenidos inherentes al Lenguaje Plástico Visual con ejemplos provenientes de producciones artísticas.
https://es.slideshare.net/silviaorianallanos/lenguaje-plastico-visual-1
https://es.slideshare.net/silviaorianallanos/lenguaje-plastico-visual-2
https://es.slideshare.net/silviaorianallanos/lenguaje-plastico-visual-3
Observamos, percibimos, representamos... Las texturas que nos rodean
Comparto con ustedes este video educativo del área de Educación
Artística denominado "Observamos, percibimos, representamos... Las
texturas que nos rodean" elaborado para ser utilizado como material
didáctico en la enseñanza de los Elementos del Lenguaje Plástico Visual, en
particular para el contenido "La textura visual y la textura táctil".
Este video fue uno de mis primeros trabajos realizados y aunque carezca de técnicas y efectos, ya que se trata de un video netamente casero, no deja de emocionarme y recordarme de cómo fueron mis inicios incursionando en este valorable mundo de la tecnología.
¿Debería darme vergüenza? Quizás.
Pero me parece importante que conozcan los materiales que, como docentes preocupados por la educación de nuestros alumnos, podemos llegar a elaborar.
Bueno, bueno, aquí está el video casero:
El autor que me llamo la atención y me gustó mucho su obra se llama JONAN MIRO. Este autor es considerado unos de los autores del surrealismo europeo .de nacionalidad española nació en Barcelona 1891 y murió en 1983 palma de Mallorca.
ResponderEliminarEntre sus obras abstractas se deslumbran siluetas que sugieren figuras reales e imaginarias
La sensibilidad infantil, junto a la riqueza creativa plasma en sus cuadros siguiendo un parámetro característico y único por esta razón sus composiciones son recomendables a primera vista.
Este autor a mi entender hace una bella y sentida creación en sus obras que van desde el dibujo de un punto y sus transformaciones en líneas, que forman figuras, formas que dan lugar a bellos planos y por supuesto resalta estas obras con gama de colores muy completa es por eso que me intereso vincula la mayoría de los elementos del lenguaje plástico. A continuación alguna de sus obras:
La obra elegida por mí se llama el oro del azul se visualiza la configuración del punto y además me gusta el color y la forma de ver de una forma sencilla el punto línea y forma con poco dice mucho para mi .
El Oro del Azul"
También conocida p or su título en italiano L'oro dell Azzurro... leer más
• "Escalera Cruza el Azul en Rueda de Fuego"
El cuadro Escalera Cruzando el Cielo Azul en una Rueda de Fuego fue pintado por el catalán Joan Miró en 1953. Los vivos colores de la composición le confieren la alegría propia de las obras... leer más
• "La Sonrisa de Alas Flameantes"
El cuadro Sonrisa de Alas Flameantes de Miró fue realizado en 1953. El la pintura se distinguen los elementos y figuras más reconocibles de Miró. Tales como líneas negras, grandes círculos de color y las curiosas formas redondas y líneas de simplicidad infantil... leer más
•
"Azul II"
Obra minimalista en colores: azul, negro y fucsia. Cuadro surrealista.
Título en francés: Bleu II... ver
•
"Perro Frente al Sol"
Cuadro figurativo de animal frente al sol de Joan Miró, obra surrealista del artista francés. Título en inglés: Dog in fron of the Sun... ver
•
"El Gallo"
Lienzo al óleo pintado por Joan Miró, reproducción pintada a mano de la obra original. Título en francés: Le Coq... ver
•
"El Carnaval del Arlequín"
Original pintado por Joan Miró... ver
•
"Homenaje a Picasso"
Cuadro cubista pintado por Joan Miró. La composición fue hecha como Homenaje a Pablo Picasso... ver
•
"El Pez Cantante"
Composición de formas abstractas que figuran un pez cantando. Pintado por Joan Miró. Título en inglés: Singing Fish... ver
Hola! Cómo estás? La selección de obras que has realizado es muy buena, sin embargo como la consigna perdía solo tres, tomé las 3 primeras como respuesta. Es interesante tu comentario respecto de lo observado en cada una de ellas, Miró realiza obra de tipo surrealista basada en formas simples y mucho color. Me alegra que te hayan gustado y lo hayas tomado como artista plástico en esta actividad. Necesitaría que me proporciones tu nombre y tu apellido. Muchas gracias!
EliminarEl autor que elegí, se llama Georges P. Seurat nació el 2 de diciembre de 1859 en París. Después de ser rechazado por el Salón de París, se alía con pintores "independientes" de París. En 1884, junto a otros artistas formaron la Société des Artistes Indépendants, en la que estableció amistad con Paul Signac, con el que compartió su visión acerca del puntillismo. En el mismo año 1884 finalizó Los bañistas (Londres, National Gallery), escena donde unos jóvenes se bañan en el río Sena; fue el primero de seis grandes cuadros que conformaron la mayor parte de su trabajo artístico.
ResponderEliminarCon 15 años Seurat ingresa en su escuela municipal de dibujo, y después ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París. Sin embargo todavía no destaca por su talento artístico, por lo que decide hacer algo nuevo, basado en el impresionismo. Es así como nace el puntillismo, que como su nombre indica, es la ubicación armónica de puntos de colores para que el ojo humano ordene la escena en la retina.
Fue el fundador del llamado neo-impresionismo (o puntillismo), que lleva la ciencia a la pintura mediante el estudio del color. El artista teorizó sobre la aplicación científica del color, que como cualquier otra ley natural, podría llevarse a la pintura. Podría ser el ojo quien mezclara los colores, y no el artista. Es el propio espectador quien hace la función de paleta.
Su obra maestra, Un domingo de verano en la Grande Jatte (1884-1886, Instituto de Arte de Chicago), representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena. Las modelos (1888, Colección Barnes de Filadelfia), La parada (1889, Colección de Stephen Clark, Nueva York), El chahut (1889-1981, Museo Kröller-Müller, Otterlo, Holanda) y El circo (1890, París, Museo del Louvre) son otras de sus grandes obras.
Georges Seurat falleció en París el 29 de marzo de 1891 de difteria a la edad de 31 años. Fue incinerado en el cementerio de Père Lachaise.
1) ( https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/131/Georges%20Seurat%20-%20Georges%20Pierre%20Seurat ).
2) ( https://historia-arte.com/artistas/georges-seurat ).
3) ( https://es.wikipedia.org/wiki/Tarde_de_domingo_en_la_isla_de_la_Grande_Jatte ).
4) ( https://emborg.com.ar/mandalas/puntillismo/ ).
Olivera Yessica / Alumna del Profesorado en Nivel Inicial / 31/05/2018
Hola Yessica! Cómo estás? Elegiste a George Seurat, el puntillista, las direcciones electrónicas nos brindan mucha información, incluso la obra "Un domingo de verano en la Grande Jatte" se puede ver con gran nitidez en el sitio de Google Art Project que es un sitio web del Instituto Cultural de Google que presenta una recopilación de imágenes en alta resolución de obras de arte expuestas en varios museos del mundo. Muchas gracias por compartir la información acerca de la biografía del artista, línea de trabajo y obras. Te felicito!
EliminarBiografía del artista Mbongeni Buthelezi
ResponderEliminarfecha de nacimiento 1966 (edad 52 años), Johannesburgo, Sudáfrica
Buthelezi asistió a cursos en el Instituto Africano de Arte en Johannesburgo desde 1986 hasta 1992 y más tarde también en la Universidad de Witwatersrand desde 1997 hasta 1998.
Mbongeni Buthelezi es un artista sudafricano que decidió adoptar una técnica para salir adelante como artista y no quebrarse en el intento. Su falta de recursos (y la creatividad que de allí surge), en conjunto con su pasión abnegada por el arte, hizo que hace más de dos décadas se le ocurriera una idea: quemar plásticos con colores y volverlos maleables para poder trabajar con ellos a discreción y graduarse como artista del Instituto Sudafricano de Arte.
Su técnica inusual consiste en derretir tiras de plástico sobre una superficie de lona, aplicar calor con una pistola de calor y manipular el fundido en retratos con textura rugosa que evocan la realidad arenosa de la vida en los pueblos sudafricanos. Por más fácil que suene, es, por el contrario, un proceso que requiere años de experiencia para perfeccionar las complejidades en el mismo. El tenaz creador se ha enseñado a sí mismo a entender diferentes tipos de plástico y su comportamiento, flujo de fusión, liquidación, cambio de color y fallas de color.
Dibuja, pinta y crea imágenes en color, sepia y monocromo, muy parecido a la pieza gigantesca que creó para el DaVinci Hotel en Sandton, por la que se ha ganado un enorme respeto.
Él fue " artista en residencia " varias veces:
• Artista invitado, Wiesbaden , Alemania
• Kunst: Raum Sylt-Quelle, Rantum , Alemania
• Atelierhaus Höherweg eV, Düsseldorf , Alemania
• Standard Bank National Art Festival, Sudáfrica
• Vermont Studio Center, Nueva York, EE. UU.
• Art Omi International Artists Center, Nueva York, EE. UU.
1- https://www.youtube.com/watch?v=x6xTJNTXreA
2- https://translate.google.com.ar/translate?hl=es&sl=en&u=http://www.mediaclubsouthafrica.com/visitsa/4332-the-artist-at-work-mbongeni-buthelezi-makes-beauty-out-of-waste&prev=search
3- https://translate.google.com.ar/translate?hl=es&sl=en&u=http://www.africanews.com/2017/11/27/south-african-born-mbongeni-buthelezi-uses-waste-to-create-rare-art-form/&prev=search
En las pinturas que pude observar del artista MBONGENI BUTHELEZI, me llamo la atención el material que utiliza, ya que al observarlo no lo percibís . no es muy usual utilizar ese tipo de material o utilizarlo de esa manera , a parte la textura que deja en sus obras, te da a que puedas imaginarte que utiliza otros materiales. otras razones por lo que lo elegí es también porque tiene un fin utilizar este material, poder reciclar y darle un mensaje importante sobre este tema en su ciudad. también intenta transmitir en sus obras plásticas sus raíces y que el mundo pueda conocer un poco de su realidad en la que el esta inserto.
mondragon stefania
https://www.youtube.com/watch?v=IsJ4K9Btl3o&feature=share
Stefanía ¡Excelente hallazgo! El artista sudafricano Mbongeni Buthelezi trabaja utilizando bolsas, papel film, botellas de plástico que reutiliza en sus obras originando formas a partir del material derretido a través de una pistola que da calor. Una manera de juntar residuos de plásticos de colores y re utilizar el material que deshecha el ser humano. La técnica es muy buena, se asemeja al óleo y sus resultados son bárbaros, reflejan la cultura africana. Muy bueno!
EliminarEl autor que elegí, se llama Kazuya Sakai (1927- 2001) fue un artista plástico, diseñador, locutor de radio, traductor, crítico y editor de origen japonés nacido en Buenos Aires , Argentina el 1 de octubre de 1927.
ResponderEliminarFue parte de la comunidad intelectual y artista de Argentina y Estados Unidos, así como la de México, donde trabajo al lado de Octavio Paz en la revista PLURAL.
En 1934 sus padres ciudadanos japoneses, lo llevaron a estudiar a Japón, donde curso hasta la universidad, licenciándose en Filosofía y letras en la Universidad Waseda, en Tokio. En 1951 regreso a Argentina, donde comenzó a trabajar de manera sistemática en la difusión de la cultura japonesa de maneras diversas. Traduce varias obras literarias (por ejemplo Kappa y Rashomon de Ryunosuke Akutagawa) del japonés al idioma castellano y viceversa. En su país de nacido fundo, en 1956, el instituto Argentino japonés de Cultura; dos años antes había curado la exposición Estampas japonesas.
Su participación en la escena artística se dio, además de como curador y creador, cono figura de promotor, ya que 1955 fundo la asociación ARTE NUEVO, que agrupaba a artistas concreto independientes y abstractos libres. En 1958 ingresa como profesor a la Universidad de Buenos Aires, además de recibir unas de las medallas de oro en la Exposición Internacional de Bruselas.
Ya con una trayectoria sólida en el país sudamericano, decide emigrar por una breve temporada a Estados Unidos, para después trasladarse a México en 1966, donde volvió hasta 1977, su llegada a este país es resultado de una invitación para ser profesor del Colegio de México. Durante esta etapa, Sakai trabaja como redactor jefe y director artístico de la revista plural, proyecto dirigido por el premio nobel de literatura, Octavio Paz. Asimismo fue programador y locutor de radio en programas especializados en jazz, diseñador de escenografías, vestuarios y portadas de discos, y curador y crítico de arte.
Su formación en la pintura fue autodidactica y, a pesar de haber desarrollado distintos estiloso tener diferentes etapas, su pintura se mantuvo principalmente en el llamado arte abstracto. Su producción temprana, a su regreso a Argentina en la década de 1950, estuvo influida por el arte concreto, en especial por Tomas Maldonado y Lidy Prati. Es en esta etapa de producción que se identifican en su pintura vinculados a la caligrafía japonesa.
En 1958 expone por primera vez en la galería Bonino de la Capital Argentina. Dos años después está presente en el Museo Nacional dentro de las Bellas Artes de Argentina dentro de la exposición del grupo de los cinco al que pertenecen, además, Fernández Muro, Sara Grilo, Miguel Ocampo y Cloristo Testa.
En 1965 a su llegada a México, se vincula con la Generación de la Ruptura a través del salón de independientes organizado en 1968. Es durante su experiencia en México que el artista comienza su producción geometrista, estilo del que se considera precursor en este país.
• www.bellasartes.gob.ar
• www.museoartemoderno.com/Kazuya-Sakai/
• www.macba,com,ar/exhibiciones/pasadas/64-Kazuya-Sakai-la-pintura-desde-el-espiritu-de-la-musica
Hola Yohana! Cómo estás? Tuve dificultad para entrar a ver la info y obras de Kazuya Sakai en los link proporcionados pero busque y encontré este link:
Eliminarhttp://www.macba.com.ar/exhibiciones/pasadas/64-kazuya-sakai-la-pintura-desde-el-espiritu-de-la-musica
Me pareció interesente lo que pueden ecnontrar alli! Visítenlo
Alumna: Benitez, Gricelda Raquel.
ResponderEliminarLa obra que cautivo mi atención es la de “El fax de 30 días” de Hundertwasser que permite visualizar un mundo maravilloso de colores potentes y brillantes donde no se observan líneas rectas sino formas naturales.
La espiral es la figura que da origen a la imagen que el artista utiliza para generar una visión ideográfica del paisaje, de misterios laberinticos que dan lugar a un sinfín de figuras relacionadas al mundo natural.
Recargada de abstracción geométrica simples combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales, adjunta en el objetos cotidianos, edificios, autos, personas casas, etc delatan un diseño artístico propio.
Dichos del auto: "Quiero darle a la gente cosas que sean bellas y útiles, que signifiquen algo para ellos y los enriquezcan”
Biografía del autor:
Friedensreich Hundertwasser es un artista que nació en Viena en 1928, es lo que normalmente se conoce como artista total, es decir, fue pintor, arquitecto, escribió manifiestos, realizó performances, diseñó sellos y banderas etc.
Uno de los temas más importantes en las creaciones de este artista es la arquitectura, la mejora de las condiciones humanas y la preocupación por la naturaleza y la ecología. En sus dibujos de edificios y ciudades a menudo representa la monotonía inhumana de la ciudad moderna.
Una de las características más importantes y reconocidas en la obra de este artista es que no usa la línea recta en sus cuadros ni en arquitectura. En sus tratados podemos ver como huye del uso de la línea recta.
Otro de los elementos más característicos en sus pinturas sobre todo y en su arquitectura serán las espirales, las espirales comienzan a aparecer en sus obras a partir de 1953, cuando Hundertwasser ve un documental llamado Imágenes de la locura en la que los esquizofrénicos de un hospital psiquiátrico de París aparecían dibujando espirales, así que comienza a incorporarlas a su trabajo como una especie de símbolo de la vida y la muerte.
Otra de las características de este excepcional artista es que creaba sus propios colores con materiales que se encontraba como ladrillos, tierra, carbón… y aplicaba estos colores en capas muy finas porque creía que así se intensificaba el color y conseguía más profundidad.
Por último, otro de los aspectos básicos en su pintura y arquitectura son las cebollas, las cúpulas con forma de cebolla “la forma de cebolla me sugiere riqueza, felicidad, abundancia, opulencia y fertilidad (…) Tengo mucho apego a las cúpulas con forma de cebolla y las pongo en todas partes (…) las pongo en mis cuadros para indicar la promesa de una buena tierra, la tierra prometida, el paraíso”. Este tipo de cúpulas aparece por ejemplo en la iglesia de Santa Bárbara.
Paginas relacionada con sus obras:
https://guiadeviena.com/arquitectura-pintura/friedensreich-hundertwasser/?p=26&id=25
http://revista-artexto.blogspot.com/2013/05/friedensreich-hunderwasser-el-pintor-de.html
https://www.youtube.com/watch?time_continue=29&v=xFp1Jy5jd4U hundertwasser, the painter.
https://www.youtube.com/watch?v=4PmONVJyVsI
Gricelda, cómo estás? Muy buenas las imagenes de Hundertwasser, mucho color hay en ellas, las direcciones que nos diste nos llevan a observar distintos sitios web en donde pueden encontrarse con bibliografía del artista vienés y parte de su obra.
EliminarRescato esta frase "Los paisajes son su marca personal, la naturaleza, y el hombre como centro del mundo, aún cuando pinta ciudades, la naturaleza está presente" del blog de ARTEXTO CULTURA VISUAL CONTEMPORÁNEA. Muy bueno!
La obra plastica que me gusto mucho es nombrada “Zorros' (1913) de FRANZ MARC quien nació en Múnich, 8 de febrero de 1880 y murió en Braquis, 4 de marzo. Fue un pintor representante del expresionismo alemán del siglo XX. Es conocido por los retratos de animales realizados durante su periodo expresionista, los cuales se caracterizan por la brillantez de sus colores primarios; inspirados en la paleta de Robert Delaunay. Su estilo evolucionó del impresionismo al cubismo, pasando por el futurismo y llegando a una sobria abstracción hasta finalmente quedar en el expresionismo abstracto. Su interés primario como artista era plasmar su veneración mística del mundo animal. En 1910, hizo amistad con los pintores August Macke y Wassily Kandinsky, con quienes fundó el movimiento artístico Der Blaue Reiter.
ResponderEliminarEstando en Baviera se alistó como voluntario para luchar en la Primera Guerra Mundial. Estando en el frente de batalla se desencanto de la idea de la guerra. Murió el 4 de marzo de 1916 luchando en la Batalla de Verdún a la edad de 36 años por el impacto de una esquirla de metralla en la cabeza.
El cuadro de “Zorro” está pintada con Óleo sobre lienzo, 87 x 65 cm. Lo que se puede visualizar en esta producción es la línea y el color que expresa un sentimiento de dulzura y ternura en el rostro principal del zorro. Lo que más me impacto de este autor fue su amor por los animales y su representación de los mismos de maneras muy expresivas en la cual expresa la tranquilidad de la naturaleza a través de la imagen abstracta.
En los siguientes link se podrá algunas las obras y profundizar más sobre la biografía de FRANZ MARC.
https://es.aliexpress.com/item/Handpainted-Abstract-Painting-Animal-The-Fox-by-Franz-Marc-Abstract-Animal-Paintings-on-Canvas-Art-Picture/32319299770.html
https://historia-biografia.com/franz-marc/
https://es.slideshare.net/yazminolopez/franz-marc-14590978
Hola Emilse, qué tal? La obra de Franz Marc es maravillosa, él fue un reconocido pintor, además de uno de los principales representantes de la corriente artística expresionista alemana del siglo XX, tenía su estilo muy particular. En los links que nos has proporcionado se puede obtener bastante información. Muy bien!
EliminarBiografía del Artista Vasíli "Wassily" Kandinsky.
ResponderEliminarNombre completo: Vasili Vasílievich Kandinski.
Nombre artístico: Wassily Kandinsky.
Nació en el año 1866, en Moscú, Rusia.
Murió: en el año 1944,en Neuilly-sur-Seine, Francia.
Pintor de origen ruso (nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte abstracto.
kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Asimismo estaba interesado por la cultura primitiva y las manifestaciones populares rusas, especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos.
Cuando cumplió treinta años de vida abandonó la docencia y a partir de aquí comenzó a estudiar pintura en Munich. Su interés por el color estuve presente desde el comienzo de su carrera. Se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el jugendstil alemán.
Los cuadros de Kandinsky muestran grandes explosiones de color y siluetas que constantemente se transforman ante el espectador. Las influencias artísticas principales de este pintor fueron Monet, Fauves y Matisse.
En Murnau pintó una serie de paisajes apinos entre los años 1908 y 1910. El mismo Kandinsky narra que se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal. Este descubrimiento lo llevó en a finales del año 1910 a la conquista definitiva de la abstracción.
Hipervinculos:
1. https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/8198/Vasili%20Kandinski
2.
https://www.todocuadros.com.ar/pintores-famosos/kandinsky/
3.
http://eeever.com/es/wassily_kandinsky
Mi nombre es Páez Jacqueline Katherina.
Hola Jaqueline! Te gustó Kandisky? Su obra sobre el punto, línea sobre el plano es muy conocida y refleja el conocimiento acerca de estos temas de los elementos del lenguaje plástico visual que tenía él, sobre todo en la configuración de la imagen.
EliminarAcá les dejo el link del libro digital:
https://preuniproyectovisual.files.wordpress.com/2013/02/kandinsky-pto-linea-plano.pdf
mi nombre es CALISAYA DORIS GILDA, el autor que elegi es el siguiente:
ResponderEliminarSolomona "Sol" LeWitt nació en una familia de inmigrantes judíos de Rusia el 9 de septiembre de 1928. Después de recibir el título de Bachelor of Fine Arts (BFA) de la universidad de Syracuse en 1949, Sol LeWitt viajó a Europa, donde recibió la influencia de los grandes maestros de la pintura. Después de eso, participó en la Guerra de Corea, primero en California, después en Japón, y finalmente Corea. Se mudó a Nueva York en los años 50 y prosiguió con su interés por el diseño gráfico, trabajando en la Seventeen Magazine. Por ese tiempo, LeWitt también descubrió la fotografía de Eadweard Muybridge, cuyos estudios sobre la locomoción y las secuencias en el Siglo XIX le influyeron. Estas experiencias, combinadas con un trabajo en 1960 en el Museo del Arte Moderno de Nueva York, MoMA, influyeron en la obra de LeWitt como artista.
Cubos blancos. Alemania
En el MoMA, los compañeros de trabajo de LeWitt incluyeron a artistas como Robert Ryman, Dan Flavin, y Robert Mangold. Dorothy C. Miller, presentó en su famosa exhibición "Sixteen Americans". Trabajos por Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Frank Stella generaron una emocionante discusión entre la comunidad de los artistas a quienes LeWitt se asoció.
PAGINAS WEB:
http://www.benshimolarte.com/artes-plasticas/luis-benshimol-sol-lewitt-el-concepto-como-motor-del-arte/
http://arte.sky.it/evento/sol-lewitt-lartista-e-i-suoi-artisti/
https://es.wikipedia.org/wiki/Sol_LeWitt
Doris, muy buena elección, la obra de Sol Lewitt va justo con los temas de elementos del lenguaje plástico visual que estamos desarrollando. Las direcciones nos llevan a lugares en donde podemos ampliar información y de eso se trata. Este artista estuvo ligado a varios movimientos, como el arte conceptual y el minimalismo. Su obra sorprende por la simpleza y el efecto ilusorio que causa al espectador.
EliminarPiet Mondrian fue un pintor holandés, la obra que más me llamo la atención se llama: "BROADWAY BOOGIE WOOGIE". Mondrian conocido por la simplificación de tanto la composición como el color redujo su paleta a los colores primarios. Al comienzo de su trayectoria el pintaba diferentes tipos de paisajes se alejó y se adentró en la abstracción usando algunos elementos del lenguaje-visual como la línea, la forma y el color. Excluyendo la textura y el volumen, trabajando con elementos planos y admitiendo las líneas rectas, horizontales y la relación que guardan entre si las líneas se forman las perpendiculares.
ResponderEliminarEn el año 1917 desarrollo su teoría que denomino Neoplasticismo que según Wikipedia está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo), sostenía que el arte no debería ser réplicas de objetos reales, fue uno de los artistas de mayor repercusión del siglo XX.
Información sobre el autor https://es.wikipedia.org/wiki/Piet_Mondrian
https://www.youtube.com/watch?v=5t92s08UV0Y
https://historia-arte.com/artistas/piet-mondrian
http://3.bp.blogspot.com/_ImWzw2Zuh7w/TMMOfHGmYnI/AAAAAAAAAKM/C8h3dk3ytaA/s1600/broadway.jpg
Hola Rosa! Me encantó el video "Piet Mondrian, un lenguaje puro", lo recomiendo a todas.Acertada la biografía y las direcciones nos llevan a espacios en donde podemos ampliar la información acerca del artista.
EliminarLa obra que seleccioné es “CIELO AZUL” de Wassily Kandinsky
ResponderEliminarAutor: Wassily Kandinsky
Estilo: Abstracción lírica
Título original: Himmelblau
Título (inglés): Blue Sky
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1940
Se encuentra en: Centro Pompidou, París
En 1940 Wassily Kandinsky pintó Cielo Azul (Centre Pompidou). Por aquella fecha Kandinsky (1866-1944) vivía en París relativamente indiferente a todo (o tal vez no, y prefería refugiarse en la pintura abstracta). Aunque era alérgico a la política, durante su vida vivió tres guerras (la Primera Guerra Mundial, la Guerra Civil Rusa y la Segunda Guerra Mundial) e incluso llegó a ser director del Museo de la Cultura Artística con el gobierno bolchevique (1919). Por cierto, muy recomendable la exposición en Madrid: Kandinsky. Una retrospectiva.
La obra “Cielo Azul”, nos traslada a un cielo puro y dinámico. Logra fundir la realidad con lo abstracto. Se revelan matices geniales de creatividad e improvisación como una magnifica percepción de la realidad.
Sobre un fondo de color azul, color que para él simboliza la quietud, flota ingrávida una serie de fantásticas formas biomorficas y ectoplasmáticas: El ajedrezado es un remedo de la época. El tema de la barca y sus remeros, como la del jinete se encuentran presentes en la obra dando una particular conjunción de colores, formas y profundidad en la perspectiva.
Hola Analía, la verdad que debo felicitarte porque has realizado tu comentario acorde a la consigna con lo que se había pedido. Sólo faltaron las direcciones para ampliación de la infor en referencia al artista, en este caso, Wassily Kandinsky. La obra elegida es inherente a los temas que estamos desarrollando en estos momentos así que está muy bien!
EliminarMuy bien Mariela! La obra de Pablo Picasso es deslumbrante, fijate si podés acceder a museos o sitios web específicos de su obra para que puedas ver su magnificencia. Felicitaciones!
ResponderEliminarHola buenas tardes. Hice la busqueda de un artista que no trabajamos en clase, se llama Gabriel Dawe, y como dije es un artista multidisciplinar mexicano, actualmente afincado en Dallas (Estados Unidos). Uno de sus trabajos más representativos y más conocidos (exhibido en galerías y centros de todo el mundo) es Plexus, una serie de instalaciones site-specific creadas a partir de metros y metros de hilos. Fruto de un proceso de tejido largo y cuidadoso, los arcoíris textiles de Gabriel Dawe se adaptan perfectamente al ambiente que los acoge, dando a primera vista la impresión de que estamos ante un haz de luz multicolor, generado por alguna fuente interna o externa. El título de la serie "Plexus" remite a la red de tejidos que conforma nuestro sistema nervioso y alude tanto a la propia estructura de las instalaciones como a la interconexión que se establece entre un elemento (in primis, el ser humano) y su entorno. La serie, en efecto, se inserta en un más amplio ámbito de investigación que, desde hace años, ocupa al artista mexicano: la construcción de la identidad, en especial modo de género, en la cultura y en la sociedad mexicana, en la que el mundo textil pertenece tradicionalmente a la esfera femenina y la idea de masculinidad está vinculada a un pesado bagaje de estereotipos sociales que el artista busca cuestionar. Hasta la fecha, Gabriel Dawe ha creado alrededor de una treintena de instalaciones Plexus. Actualmente, cuatro de ellas se pueden visitar en la galería Renwick de Washington D.C., en el Crystal Bridges Museum of American Art de Bentonville (Arkansas), en la ciudad danesa de Hellerup y en el Byu Museum of Art de Provo (Utah).
ResponderEliminarAqui dejo algunas paginas para que puedan ver sus bellos trabajos y un poco mas sobre sus comienzos y su vida. Espero que puedan acceder.Gracias!
https://www.google.com.ar/amp/s/culturacolectiva.com/arte/gabriel-dawe-arcoiris-hipnotico/amp/
http://culturizando.com/conoce-la-increible-obra-gabriel-dawe-creador-arcoiris/
http://nfgraphics.com/gabriel-dawe-hilos-colores-y-perspectivas/
Hola Karla, cómo estás? Muchas gracias por la información y sobre todo, por habernos brindado la posibilidad de conocer la producción de Gabriel Dawe, el artista mexicano que crea ilusiones ópticas con hilos tensos de colores, en una de sus obras logra causar la sensación de estar viendo un arcoiris. Es una maravilla. Además presenta una postura ante el machismo y la distinción de géneros, lo que lo hace más que interesante en estos tiempos actuales. Su obra seguramente te ha impactado, tu instalación presentada así lo ha evidenciado. Cariños!
Eliminar